作曲當然要遵守音樂的規律，但各人的方法和技巧又有不同之處。要創作一首完整的好歌曲，基本的技巧和方法還是不能沒有的下面小編為您收集整理了歌曲作曲的技巧，希望對您有幫助！
一、主題
一首歌的音樂，要有一個能夠集中地概括整個作品的思想、感情、性格的音樂主題。樂曲的長短要根據內容而定，象一條主線貫穿全曲。歌曲的音樂主題往往是根據第一句歌詞的特點所創作出來的，有些歌曲的主題，往往根據半句歌詞加上襯字拉開來創作的，也有一些歌曲的主題，加了許多虛詞和襯字把主題加長了。
一首歌樂曲主題的配製，首先是從研究歌詞開始的，要進行反覆吟頌，藉此來了解歌詞的意境，進行研究分析，並對歌詞作修改和修整。要形成準確、鮮明、生動的音樂主題形象，才能正確深刻地表現詞意的思想內容;其次，對於體材也要選擇合適的，根據內容需要量體裁衣，以增加作品的表現力和藝術感染力。
二、發展
1、段落
音樂的發展安排在合理的作品結構之中，歌詞的結構是音樂段落結構的重要依據。段落分一段體，兩段體，三段體等。比較常見的是兩段體和三段。
段落可以分為對比和類似形式。對比，如：前面比較舒緩，後面比較高昂;前面比較緊湊，後面比較庸散。從文學上分析，如果你想用對比來創作的話，前面是敘事的話，後面一定要改成抒情。從音樂上說，前面如果旋律比較平，後面就大膽的多點起伏，前面節奏多用4分音符的話，後面就用8分或16分音符。從而起到對比的作用。在編曲上可以更明顯地看到，一般副歌部分總是比較高潮，而前面總比較緩慢。但這也不是絕對的。
一段體的大多都是小歌，如蘭花草，雪絨花等等。學吉他的人一定知道，是吉他入門的必彈曲。如果寫得好，那也是非常精緻的東西。但一段體對旋律要求非常高，旋律一定要好聽，否則不行。現在三段體的也很多，如陳亦訊的十年(也有人把第二段看作起承轉合中的轉)，那英的征服(在歌后面有一段把情緒推向高潮的人聲部分)等等。
數學裡面有黃金分割點，人們在美術、音樂等藝術領域都很注意這個點。按照美學觀念它是最完美的點。一首3分鐘的歌，在黃金分割點上，大概2分多鐘的時候，總是一個歌最最好聽的地方，他或是高潮部分，也許是一首歌最最精華的部分，在編曲上尤其是這樣。黃金分割點，是最容易打動聽眾的點，也是最容易渲染感情的點。
2、重複
重複永遠是音樂中的不二法門，從段重複到小節重複，幾乎每個作品中都可以看到他的影子。(重複也是同度模進)。重複的技巧也很多，移位重複還包括嚴格移位和混合連續移位。
3、倒影
它就像我們在水邊，看到自己的影子。如：33345 33321。
在五線譜中，以3橫線，就會發現，345往下翻180度的話，其旋律線條就會和321吻合。這樣寫出來的旋律，不會很散。
4、模進
模進分嚴格模進和自由模進。嚴格模進，要求各旋律音程之間完全一樣，旋律線條也要完全一致。如：3323 2212 。自由模進，則沒有這個限制。如：1123 3345(1和2之間是全音，3和4之間是半音，音程不同)
5、對格
各藝術門類都是相通的。在文學創作中的某些技巧，放到音樂裡也完全適用。在一些人寫的詩聯，第一句的最後一個字，是第二聯的第一個字。放到音樂中的話，就是第一句最後一個音符，是第二句的第一個音符。然後依次類推。如：123 312 234 465，前面的最後一個音符，是後面的第一個音符。李宗盛有時通篇都使用對格的技巧。
6、變音
一般而言是指升降音符。用一些變音，會給人帶來新鮮的感覺，也容易使情感更加飽滿。
歌曲變音用得如何，很大程度上看作者對旋律的把握程度。一般來說，表現明亮色彩的歌曲用大調，相反，表達憂傷或溫柔的歌曲用小調。我們也可以把大調的3音降半度，來表達憂傷或溫柔。在小調中，多使用#4和#5，是不會有錯的，因為小調的上行音階中本身就包括#4和#5。如果想寫一段帶有JAZZ風味的旋律，除了節奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法門，其實，這也是JAZZ的特有音階。
例如，羅大佑在愛的諍言裡，A段第三句，用了#1 2 3的級進，給人一種憂傷的感覺，而且非常新鮮。李泉的愛的顏色中，用了：5 6 7 #1的旋律級進，四個全音連續上行，把感情發揮到了極至，也給人一種耳目一新的感覺。橄欖樹是一首非常經典的老歌，作者用了#4作為承上啟下，收到非常好效果。如果改用4的話，旋律色彩就會大打折扣。
7、濃淡疏密
1：疏密有致。國畫講究疏可跑馬，密不透風，有疏有密。在音樂中，前面幾小節如果節奏部分非常密集，後面一定要多寫些長音。如果前面旋律起伏非常大，那麼後面一定要把旋律安排得平穩些，以起到一個平衡的作用。
2：深淺分明。國畫講究墨色深淺枯溼，分深、淺、灰等五色。在音樂作品中，如果前面兩小節都使用了上行的旋律，如：1123 3345，那後面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，這樣讓人感覺旋律有起伏有變化了，聽覺上比較舒服，也符合自然規律。
如，開頭第一到第二句，旋律從低音5直線上升，且不帶拐彎地到達高音1，音程跨度純四度+純八度。第三句開始慢慢下降，從高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。給人感覺旋律起伏很大，感情全部發揮出來了，然後第四句旋律開始走穩。
8、調式
在古典音樂裡，用什麼調?抒發什麼情感?需要的`音樂效果是明亮的?還是灰暗的?或是雄壯的等等，都有嚴格的要求。
但在當今的許多歌曲，特別是流行音樂裡，幾乎沒有這種限制了。現在作曲家對歌曲的定調，一般是根據歌手的音域來確定的。男歌手一般最高音定在G上。(鋼琴上叫小字二組G，吉他上是第一弦的第三品)。如果太高，降一度也夠了。女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(鋼琴是小字一組B。吉他是第二絃空弦)。太高的話也降一度。當然，這也不是絕對的，只是一個大致的範圍，聽說帕瓦羅蒂可以唱到高音#C。大家可以在琴上感覺一下，鋼琴是小字三組的#C，吉他是第一弦第九品。
9、變調
我在江西、北京兩次聽到張千一講自己的歌曲創作體會，每次對轉調的問題都談得特別多。調性的對比，確是非常重要而有趣的，一首歌前面如果是小調，後面可改用大調來發展。前面如果是C調，甚至你可以在後面安排bE大調(就是C小調)，都是可以的。這樣能讓聽眾有耳朵一亮的感覺。但不要忘記，調是為歌服務的，轉調是為了更好的抒發情感。所以不管你轉成什麼調，一定不能單純為了轉而轉，音樂也要有再現。
齊秦的《大約在冬季》，他在第一段開頭用大調 1，結尾是小調 6，副歌部分也是小調，很好地抒發了離別的情緒。 張國榮的“共同度過”，本來旋律並非很出彩，副歌部分也是一般，但作者連續用了四個轉調，把感情全部唱出來了。 轉調技術在間奏裡用得也比較多，還有離調，但這是編曲的範圍。如果間奏忽然轉調了，那麼在結尾的時候，一定要再轉回原調。
調式的學問很多，在印度的音樂裡，把3和4這一對半音兄弟，再切一半，變成12音音階，更難唱。光音階上的變化就有幾十種，還分上行和下行，還不包括臨時變音等，很難懂。
在大多的編曲書中，都說結尾一定要5級和聲轉到一級和聲。是C調的話，結尾一定要從G到C才可以，不然不及格。但有不少歌曲裡面結尾並不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在聽覺上非常新鮮。還有G到G增和絃。就是(5 1 2)也非常新鮮。有一種意猶未盡的感覺。
10、起承轉合。
中國的詩詞歌賦是要講究起承轉合的， 四句式的歌曲或歌曲主題部分也有起承轉合音樂結構的。
開頭的第一句就是起，一般都是有音樂動機組成的，是寫歌的一個動機所在。
第二句就要相承了。
第三句就是轉，是主歌部分最精華所在，很多優秀的音樂人都在這裡大做文章。如果前面兩句用上行旋律比較多的，第三句一定不要用，改成下行。前面如果旋律比較平和，到這裡，一定要寫的凹凸些，就象美女的線條。用一些變音什麼的，節奏改一些，也是非常常見的手法。
第四句叫合。是前三句的總結，有人把第一句照搬，那是最簡單的辦法。也有人把前面三句用到的動機，整合在一起作為第四句，也未嘗不可。實際上，創作手法是多樣化的，主要看情緒發展，你想表達什麼。
11、詞曲配合。
漢字有本身的發音，1、2、3、4聲，唸的時候，大家都嚴格按照發聲的，上入聲，本來也包含了音樂成分在裡面。如果沒有按照發聲規律念，很容易就變成另外的意思了。而在音樂創作中，這是最最忌諱的。
如果歌詞的感覺是搖滾的，曲子卻寫成民謠的，聽上去感覺一定不行。曲子是古典風味的，而詞的感覺卻是很現代的，感覺就會很彆扭。齊豫以前有盤專集，曲子都是從古典音樂裡出的，新填上詞來唱，感覺不好。因為那是人家為器樂而寫的曲子，改成人聲了，當然不好。
12、最高境界。
魯迅先生說過，文學的最高境界就是，添一字嫌太肥，減一字嫌太瘦，就是說，好的文章，你一個字都不能增減。好的曲子也是一樣。加任何一個音符進去，你都覺得不好，刪除任何一個音符，你都覺得不對，到了那個時候，就是曲子最完美的時候。如果對巴赫的復調加音符進去，就會發現，加在任何一小節，其他地方都要作很大的改動，而改好之後，又會發現完蛋了，不能聽了。 但歌曲有所不同，因為要加歌詞。詞，是為曲服務的，是依附在曲子上的。所以寧可讓詞犧牲點，也儘量不要去改動曲子了。
