畫家在藝術修養方面除了要有深厚的傳統知識和豐富的切身經驗，同時還要不間斷的磨練功夫，藝術不僅要苦學，更主要的是苦練。下面小編為大家分享畫山水畫學習技法，歡迎大家參考借鑑。
一、關於學習態度
有人認為大畫家畫畫都是隨隨便便抹幾筆，自己就漫不經心，以為從胡亂林中可以產生好畫，創造奇蹟，古人說：“若不經意”，我認為“若”字旁邊應該打幾個圈強調一下，或者更明確一點，在下面加上“經意之極”四個字，成為“經意之極，若不經意”。這和蘇東坡所說：“始知真放在精微”是同樣的意思。過去我常看齊白石作畫，和很多人的想法相反，他不是畫得很快，而是很慢;不是隨隨便便，而是十分嚴肅。越是大筆墨的畫，越需要小心經意，因為要在簡單的幾筆裡、表現豐富的內容，這不是輕而易舉的事情。大藝術家如此，何況初學!我雖然曾經畫過幾百幅山水畫，但面對著新的物件，還幹單刀惶悚，感到很吃力，很困難，藝術家除了聰明以外，還要老實，市儈性格的人成不了大藝術家，因為他懷著投機取巧的僥倖心理，早上下了點功夫，晚上就想取利。好的藝術家，都具有樸實的品質。要像魯迅所說的：“吃的是草，擠的是牛奶”，把自己無條件地貢獻給人民，貢獻給您的事業。
怕畫壞是沒有出息的。只要用心畫，畫壞了沒有關係。我有一顆圖章，叫做“廢畫三千“，就是鼓勵自己不要怕畫壞的意思。因為怕畫壞，就墨守成規，不敢突破，總在自己的圈子裡轉，這是一種墮性的表現，是很難進步的。
二、關於藝術修養
有的青年在學習中存在著狹隘的功利主義，好像很多東西都與自己的業務無關，不願去觸及，甚至連傳統也不願學習，覺得“用不上”，這種學習方法好像“撒油花”，本來有一碗營養豐富的湯，他只是浮在表面上的幾點能見實惠的油星，別的都捨棄了，這不是聰明而是愚蠢。張仃同志把這種人稱：“豆芽菜”，很恰當。藝術的根要扎的又深又廣，才能成為參天蔽日、豐富繁衍的大樹，否則真像“豆芽菜”獨根獨苗，單薄得很。
學習傳統是很重要的，藝術家是自然規律的探討者，我國自古以來那麼多有才能的藝術家在那裡辛勤地探討了幾千年，積累了豐富的經驗。丟掉了傳統是最大的傻瓜。如果現代人拋棄科學遺產，不要原子能，而是去重新發明蒸汽機，那不是很可笑麼?所謂創造就是發展，沒有憑空的創造。從繪畫史來看，個人在歷史上的作用是很小的，能夠把歷史推動一點都了不起，因此，前人的經驗必須認真學習，遺產必須繼承。
畫家在藝術修養方面除了要有深厚的傳統知識和豐富的切身經驗，同時還要不間斷的磨練功夫，藝術不僅要苦學，更主要的是苦練。誠然，“知”要走在“能”的前面，但是知不等於能。相對地說，知較容易，能卻很難，學可以知，能必須練。懂得游泳術的人離會有用還有很大一段距離。學習這個詞很確切，只學不習是不行的，還必須經常練習。
三、關於山水畫的技法
1、構圖：
畫畫前，先醞釀情緒，再設計方法。對風景物件將信將疑，意境還不十分鮮明的時候，坐下來慢慢細看，有時會得到啟發。古人說：“萬物靜觀皆自得。”成見往往使人聽而不聞，視而不見。仔細觀察，心要像明鏡一樣，你就會發現一切景物都生意盎然。所以畫畫之前靜下心來，仔細觀察很重要，心情煩亂是沒法畫好畫的。
頂好的構圖要“似奇反正”，古人說“既得平正，須得險絕”，構圖要極盡變化，大膽組織變化，但有要求穩定。只奇不正就有不穩定的感覺，要鄭重見奇，奇中見正，兩條腿走路，矛盾中求統一，八大山人的畫構圖很奇，但又有莊嚴的感覺。畫面上主要的東西一定要給適當的位置。一般說來主要的東西不要放在正中，要靠邊一些，但又要使人感到整體畫面的平衡;形象地說：“要像秤，不要像天平”。在風景畫裡，一般地說，樹比山分量重，人造物比自然物重，人比一切重，懂得這個，對構圖是很有幫助的。
善繪畫要求“大”和“多”，所謂大是感覺大，多是東西多。因此，構圖要善於穿插，要往深處發展，不要平鋪對壘。《清明上河圖》絕不是僅往兩邊伸展，同時也很注意深度，往深裡發展。
藝術一定要講求形式，有人怕講，以為就是形式主義，這是一種誤解。要區別為表達主題講求形式與為藝術而藝術的形式主義。構圖上的一些規律是要注意的，譬如畫面上前後兩個人的頭正相疊上，三棵樹交叉於一點等，這些都是要避免的。黃賓虹先生說：他從中國書法、繪畫中得出構圖規律的奧祕是不等邊三角形，這實際上就是變化統一的規律。藝術上美的抽象的規律往往是最高的境界。規律中有一條最重要的規律就是自然，矯揉造作永遠是要避免的.，不要把“奇”理解為矯揉造作。
2、形象
藝術用樣要求精神，藝術形象不能是吧普普通通的，電影攝影師對著意嘉陵江上自遠而近，自近而遠的行船，可以攝下幾百個不同的鏡頭，但其中最美的只有幾個。一張畫還要有最精粹之處——所謂“畫眼”，畫眼一定要特別抓緊，不能與其他一切平均對待。主要的東西可以強調、誇張，要避免面面俱到，應有盡有。竭力描寫自己最感興趣的，最主要的東西，才能引人入勝，打動人心。
中國畫家畫菊花，絕不止於表現菊花，而是寄託了畫家自己的感情，山水畫不是照片，也不是風景說明圖，風景畫要比自然更美，從來人們說“河山如畫”而不說“畫如山河”。
山水畫要講求明度，畫前要明確最亮的地方在哪裡，最黑的地方在哪裡。要在整體中求明暗，區域性無法決定明暗，明暗不完全取決於物件，更取決於主題。馬思聰說我的畫黑是為了亮，說得很對。和對比相反的是“對吃”或“對消”，幾種東西分量輕重一樣，黑白明度一樣，就達不到效果，畫面無力的原因常常在於此，整體感是畫家一輩子的事，為了把握整體，畫面時切忌一個區域性畫完了，才畫另一個區域性，要整體地畫，整體地加。
畫山首先要看大的形式，再看大的轉折，不要零碎，大的轉折不清楚時，要仔細找出它的脈絡來。畫山要介於方圓之間，太圓會顯得軟。樹的關係是接若離，畫樹點葉要含蓄，不能太清楚，要在清楚中包含不清楚，一片樹的處理要介於具體與不具體之間，往往突出幾棵主要的，會顯得既生動又無盡的感覺。遠山遠水遠樹的處理，越遠越要小心經意，要在簡單的筆墨裡表現空間、距離，要有遠的感覺，隨便亂抹幾筆不行的。八大山的人物不要太正，太正就無神態。
3、層次
畫好山水畫，在技法上要過好兩個關：線條和層次，層次關最難，因為山水畫往往要表現幾十裡的空間，層次問題就顯得特別突出，這個問題許多老國畫家也沒有解決，層次問題解決了才能達到深厚，沒有一個大藝術家不追求深厚的。藝術表現總是要求“夠”，要求充分體現自己的感受，正如寫文章的目的是為了充分地表達思想一樣。剪裁、誇張、含蓄，提煉都只是一種手段，要深度需先畫夠，初學時寧過之勿不及，花夠了再加層次，不要怕碎，但要避免花，在碎的基礎上整理調子，整理的過程就是加層次，也是整理主從關係，要逐漸加，一遍一遍地加，不是完全重複，要像印刷上套網紋沒套準似的，而且最好是七八分干時再加。空間感要有意識強調，處理遠近物體的關係要注意他們的交界處，略加強調地表現，不一定近濃遠淡，要看物件和畫面本身的需要，在藝術上，科學規律要服從藝術規律，使科學為藝術服務，不能因科學規律而損失藝術。
4、氣氛：
一幅畫要籠罩著一種氣氛，有了氣氛畫才能活起來。齊白石說：“筆筆相生，筆筆相因，”也是為了一張畫的氣貫連，氣貫連才有力，才能生動。畫人並非畫跑的人才生動，靜止的就不生動，打盹也可以畫的很生動，生動就是氣要連貫。中國水墨畫從來講究氣氛。如說：“山中有龍蛇”，就是貫氣，又說“蒼茫之氣”，“含煙帶雨”，“揮毫落紙如雲煙”，“試看筆從煙中過”等等，都含有這個意思。山水畫中留出適當的空白亦有助於氣氛的表現。
5、色彩
色彩的意匠設計要決斷，最怕猶豫不決。設計顏色一定要考慮到畫面本身的藝術效果，不能完全根據客觀物件。水墨畫的色彩宜單純，變化不宜太大，經過設計突出一種調子作為基調，如儘量渲染夕陽的紅，雨後的綠，別的色彩可以壓低，需要濃的可以儘量濃，需要淡的可以儘量淡，總以烘托意境增強表現力為根據。水墨畫中墨是主要的，要畫夠，明暗、筆觸都要在墨上解決，著色只是輔助，上色時必須調的多些，切忌枯乾，老畫家說要“水汪汪的”，才有潤澤的效果。
6、筆墨
如能運用傳統的現成的筆墨方法充分地表現物件當然好，如果沒有現存的辦法，就取決於物件來創造，畫家如有自己對物件的深刻認識和真實的感情就會有所創造。
一幅山水畫的筆調要統一，一幅畫和一曲音樂一樣，要有統一的旋律。一種表現方法是一種旋律，或是粗放，或是秀美。不能單純根據物件，譬如畫人物的用筆要和畫風景的用筆要統一，遠景和近景的用筆要統一，如果人物畫的工細，山石的筆調又很粗放，就不協調。有時候表現物件僅用一種筆法易於單調，如皴山，點葉，可以集中筆法摻和使用，但又要在多種筆法中求得統一。筆調色調本身就代表一種情調。情調不僅包括具體部分，也包括抽象部分，有人排斥抽象部分是不對的，抽象和具體相結合，情調就更鮮明突出。
中國畫講究骨法用筆，墨中也要見筆，不能“合泥”，畫雨景也要求見筆，見筆才有力，反對“浮煙賬墨”，有人把紙打溼再畫畫是不好的，中國畫不像水彩，不能單靠烘染解決問題，要求畫到百分之八十再烘染。用筆還要求蒼柔相濟，蒼而不潤則乾枯，潤而不蒼則無力，元人畫畫很講究乾溼並用。
線的最基本原則是畫得慢，留得住，每一筆要送到底，切忌飄，要控制得住。線要一點一點地控制，控制到每一個點，古人說：“積點成線”、“屋漏痕”都是這個意思。只有這樣畫線，才能做到細微、完美的表現物件，在一條線裡解決許多問題。否則只是粗略的表現，正如拉胡琴的要善於控制住弓子，奏出的音樂才有豐富的內容和感情。聲樂家控制自己的聲音也是一樣。中國畫家主要靠線條塑造形象，為了使任何一筆都富有表現力，力求每一筆都要代表更多的東西，就必須善於控制住線。同時，還要注意每一筆和整體發生聯絡。
